Nick se lamente sur son sort : sa petite copine l’a quitté. Musicien dans un groupe, il lui prépare des compilations de ses morceaux préférés, qu’elle jette sans scrupules. Norah est parfois tombée sur ces CD et en admire leur inconnu créateur.
Tous deux fans du même groupe, qui donne justement un concert surprise ce soir-là à New York – dans un lieu secret – Nick et Norah vont se croiser.

C’est un film un peu mignon, avec un peu de musique sympa (et pourtant on pouvait en attendre plus, surtout en regard du titre original, Nick and Norah’s infinite playlist). Certes la musique joue un rôle, mais finalement guère plus que dans n’importe quelle comédie romantique moyenne.

Michael Cera, qu’on a surtout vu dans Arrested Development, Juno, Supergrave, L’an 1, joue ici comme d’habitude un jeune garçon maladroit, timide mais sensible. Il est toujours assez à l’aise dans ce rôle mais tourne un peu en rond, à force.
Kat Dennings, jolie jeune recrue, n’est pas mal non plus même si son personnage de jeune fille un peu solitaire et revêche se révèle un peu limité. Elle est malgré tout attachante dans ses contradictions, et elle est peut-être ce qu’il y a de mieux dans le film.

Bref, beaucoup de moments sympathiques, quelques seconds rôles amusants (la copine de Norah, les copains de Nick) mais j’avoue que je m’attendais à quelque chose d’un peu plus original, d’un peu plus frais.
Le titre français est particulièrement ridicule mais le fait est que… ça se passe à New York, et qu’une certaine ambiance nocturne est assez bien rendue.

Vous pouvez jeter une oreille à la fameuse BO ici (Amazon)…

Guido Contini, réalisateur renommé, fait face à une panne d’inspiration profonde et se laisse tourmenter par les femmes qui ont marqué sa vie, et, pour certaines, continuent à le perturber.

Le film se veut une sorte de suite à Huit et demi (si, si) et essaie, tant bien que mal, de jouer avec la mise en abyme, avec un montage atypique pour montrer un peu les affres de la création.

Tout cela est relativement raté. On ne peut pas dire que Chicago, autre comédie musicale de Rob Marshall, brillait par sa mise en scène, mais ici, on s’ennuie réellement. Quant aux affres de la création, ça se limite à : 1/ le réalisateur-scénariste ne sait pas quoi écrire 2/ il se rappelle quelques rencontres féminines, essaie de se retirer du monde, n’y arrive pas.

Rob Marshall a convoqué pour cela un casting cinq étoiles, du plus bel effet sur les affiches. Daniel Day-Lewis, le pauvre, se voit affublé de cette image d’Epinal du réalisateur italien tourmenté. Il n’est pas mauvais, mais n’a franchement que peu de grain à moudre. Nicole Kidman ne trouve pas non plus ici d’occasion de prouver qu’elle est redevenue une bonne actrice, dans ce personnage de comédienne qui pourrait être intéressant, mais à peine exploité et, de toutes façons, figé dans ce visage massacré par la chirurgie, qui ne convient plus qu’à des publicités pour des boissons gazeuses. Penelope Cruz hérite de la pire scène musicale du film, mal filmée, mal montée, sur une musique immonde, dans une vulgarité infinie. Son personnage est par ailleurs éculé et agaçant. Kate Hudson elle non plus n’est pas très gâtée, dans le rôle d’une journaliste américaine qui a autant de profondeur qu’un peigne. Sophia Loren est absolument terrifiante (involontairement) dans le rôle de la mère de l’artiste ; Fergie, chanteuse des Black Eyed Peas, a la chance d’avoir tiré un rôle muet, et d’avoir la chorégraphie la plus originale et la mieux conçue. Seules deux actrices sortent du lot : Judi Dench, qui arrive décidément à ajouter son petit grain de sel au moindre de ses rôles (ici, celui d’une couturière bienveillante) ; et Marion Cotillard, dans un rôle plutôt mal fichu (l’épouse délaissée), mais qui réussit à faire poindre un peu d’émotion, et qui nous fait découvrir une bien jolie voix.

On a bien quelques effets de construction intéressants, mélangeant réalité et pensée de Contini, mais ça n’aboutit jamais sur rien. On attend, comme dans Chicago, un climax qui ne vient jamais. Ça n’est que rarement mauvais, mais c’est raté.
On oubliera donc très vite cet échec, qui ne raconte pas grand-chose sur pas grand-chose et qui échoue à mettre en valeur son casting…

Petite embardée hors de l’actualité cinéma pour vous présenter un court-métrage réalisé par Gia Coppola (oui oui, petite-fille de Francis Ford) et Tracy Antonopoulos, avec Kirsten Dunst et Jason Schwartzman.

Les deux acteurs, outre d’être dans le cercle qui navigue autour de la famille Coppola (Sofia, Roman, mais aussi Spike Jonze & co), avaient déjà collaboré sur Marie-Antoinette (de Sofia Coppola, donc).
Ce court-métrage a été réalisé dans le cadre d’une entreprise promotionnelle pour la marque de vêtements multi-designers Opening Ceremony (dont on voit plusieurs créations dans le film).

Il y a, un peu comme chez Roman Coppola (dont j’espère parler ici un jour de l’excellent CQ - dans lequel jouait déjà Jason Schwartzman, puisque je vous dis que tout est lié !), un esprit d’inspiration française-nouvelle-vague-un-peu-transformée-à-l’américaine. Ça donne quelque chose qui est un peu sans queue ni tête, avec un long début muet, puis un centre clipesque, avec de jolies couleurs, et une fin de mise en abyme, mais dont se dégage une vraie ambiance et un certain charme indicible (le fameux je ne sais quoi, probablement).

A noter que la partie clip est mise en musique par Jason Schwartzman lui-même, via son groupe, Coconut Records, que je vous invite à découvrir si vous ne connaissez pas, par exemple sur leur myspace.
Acteur humble, discret, au physique banal, un peu en décalage perpétuel, Jason Schwartzman a de plus en plus ma sympathie, et tout ça donne envie de le voir de plus en plus. Quant à Kirsten Dunst, qui se fait rare sur les écrans, elle semble en pleine forme et plutôt rayonnante dans ce petit film.

En attendant, le court-métrage, disponible sur Vimeo.

non plus one final from Tracy ANTONOPOULOS on Vimeo.

Léna se débat avec ses deux enfants, car elle s’est récemment séparée de leur père, Nigel. Têtue, indépendante et trop sensible, elle se heurte aux remontrances de sa sœur, dont la vie familiale semble plus idéale, et aux reproches étouffants de ses parents.

Ce genre de cinéma français, avec une phrase comme titre et des propos dépressifs, n’est pas forcément ma tasse de thé. Mais Chiara Mastroianni a tendance à éveiller ma curiosité.

A dire vrai, j’ai un peu oublié ce film, trois mois plus tard, mais il ne m’avait pas été totalement désagréable – à l’exception du conte breton en milieu de film, tant loué par certains critiques, que je trouve abscons et faussement profond. Ce qui m’a le plus agréablement surprise, c’est que le film défend la féminité, défend les mères, les filles (surtout les filles), les sœurs, et tente de montrer à quel point ces liens familiaux sont complexes, inextricables, vitaux et insupportables. Léna est parfois agaçante, dans son égoïsme, son inflexibilité, ses caprices, mais je trouve le personnage assez juste, malgré tout. J’aime bien le traitement de la copine du frère, qu’on prend pour une idiote, et qu’on considère forcément comme « l’étrangère », celle qui gêne.

En somme, ce n’est pas forcément un film que je reverrais, mais je l’ai trouvé plutôt bien écrit, assez touchant, et avec un vrai regard engagé dans sa manière de dépeindre cette famille et ses tensions.

Gianni, Nicola et Antonio deviennent amis à la guerre, mais de retour dans la vie quotidienne, leur amitié survit difficilement aux écueils de leurs trois existences qui se séparent. Chacun poursuit sa route tranquillement, mais une femme, Luciana, va se trouver sur leur chemin. Au fil du temps, les rencontres hasardeuses les amènent à faire un bilan sur leurs choix, leurs rêves, leurs désirs.

Ce classique du cinéma italien m’a fortement décontenancée, car je m’en étais fait une image totalement différente de ce qu’il est en réalité ; je m’imaginais un film au mieux très romantique (ou plutôt qui explorerait profondément les sentiments liant un groupe d’amis/amants), au pire un film à la Sautet, avec des personnages qui parlent, parlent, mais qu’on arrive à cerner, à aimer.

Ici j’ai vraiment eu du mal à accrocher à la forme du film, qui est pourtant intéressante (et qui varie, selon l’époque diégétique) mais qui est, je trouve, très particulière. La post-synchro est, à l’image des films italiens de toute une période, terrible ; la musique est atrocement vieillie ; quant aux relations entre les personnages, elle ne se dégage que parmi un certain fouillis.

Il y a pourtant plus d’un intérêt dans ce film : tout ce qui concerne l’Histoire, traversée par les trois amis, la politique, leurs idéaux ; et aussi tout le rapport avec le cinéma. En effet, le film est dédié à De Sica, mort en 1974, date de sortie du film ; le personnage de Nicola s’enflamme sur Le Voleur de Bicyclette ; on traverse le tournage de La Dolce Vita, rencontrant Fellini et Marcello Mastroianni, etc.
Peut-être à cet égard me manque-t-il une bonne part de culture sur le cinéma italien d’après-guerre, et, de manière générale, sur cette société italienne. Trop de références me passent au-dessus de la tête.

Film d’une époque peut-être, avec lequel je me suis sentie en décalage total, que je n’ai jamais réellement pu appréhender correctement, dont les dialogues m’ont noyée et dont le style m’a vaguement déplu. J’ai peut-être des goûts trop classiques…

Jeanne (Sophie Marceau), plongée dans l’écriture d’un premier roman, constate des changements mystérieux autour d’elle, et voit son corps se transformer… Son entourage ne semble pas s’en apercevoir. Troublée, elle découvre chez sa mère une photographie qui la met sur la trace d’une femme, en Italie. Jeanne, désormais transformée (Monica Bellucci), y trouvera la clef d’un étrange passé…
[synopsis issu du dossier de presse]

La raison d’aller voir ce film malgré les avis négatifs de mon entourage ? Le souvenir de l’excellent Dans ma peau, premier film de la réalisatrice, sorti en 2002, dont elle avait aussi écrit le scénario et interprété le rôle principal.

Dans Ne te retourne pas, on retrouve quelques thématiques, quelques sensations que l’on avait déjà pu percevoir dans le premier film : la coexistence d’un trouble psychique, touchant à l’identité, avec une vie quotidienne urbaine, moderne et banale ; la question du corps, du changement corporel, de son lien avec l’esprit ; un compagnon masculin dont la présence n’est jamais suffisante, jamais assez apaisante ; et cette sensation, terrible, d’être étranger à son propre monde, puis à soi.

Mais le traitement du sujet est ici peut-être encore plus extrême que dans Dans ma peau. Marina de Van a choisi deux actrices pour interpréter ces troubles : Sophie Marceau et Monica Bellucci, avec lesquelles elle joue, qu’elle pétrit, modèle, façonne. L’une des premières faiblesses du film se situe en fait ici : ce ne sont pas les plus grandes actrices du monde, et il y a quelques moments de jeu où l’on décroche, tout simplement parce que l’incarnation s’arrête et se transforme en performance.

L’autre faiblesse du film est l’usage peu heureux de certains artifices (les lentilles de couleur, notamment). Là encore, même si l’idée est bonne, sa mise en œuvre est limitée et produit chez le spectateur un recul qui n’est pas favorable à l’immersion dans le récit.
Pourtant, quelques autres artifices très simples (je pense à cette idée toute bête du maquillage d’un seul oeil), peut-être justement parce qu’ils sont plus simples, fonctionnent mieux, et arrivent à l’effet voulu : produire du grotesque.

Et c’est peut-être là que Marina de Van perd quelques spectateurs. Ah ça non, elle n’est pas dans le joli, dans les crises existentielles propres et prêtes à passer en prime time. Pas non plus de misérabilisme et de voyeurisme. Non, la réalisatrice se place dans une vraie position d’artiste, et choisit un traitement extrême, et cette idée de grotesque est l’une des premières choses qui viennent en tête à la vision du film : ce décalage avec la réalité, cette réalité qui devient de plus en plus bizarre, de plus en plus étrange, de plus en plus ridicule, et, à mesure que le ridicule grossit, et que le rire devrait surgir, c’est l’effroi le plus total qui nous remonte dans l’échine.

Car oui, Ne te retourne pas est un film qui m’a profondément terrifiée. La mise en scène de la folie y est si brillante, si juste, qu’elle y devient terriblement réelle, au-delà du fantastique. Qu’on peut la ressentir. Se rappeler de ces moments où l’on perd prise, où tout vacille. Jouant avec ses monstresses dans la première partie du film, Marina de Van s’offre ensuite une escapade esthétique en Italie, lorgnant du côté du pays où on tournait les films dans toutes les langues et où on redoublait les voix par-dessus, et surtout pays du giallo, avec, ici aussi, cette sorte d’enquête doublée de fantastique. Malgré une certaine stagnation du récit à ce moment-là (le moment où le personnage n’obtient aucune réponse et se heurte perpétuellement à un mur s’éternise peut-être un peu trop, surtout en comparaison de la rapidité du dénouement), ce passage italien est fascinant par ses jeux avec tous ces codes, et par l’effroi qui s’en dégage, presque en permanence, que ce soit par le bruit de pas d’une petite fille morte ou par une scène de danse folklorique qui dure, dure, dure.

Au final, on est donc devant un objet extrême, sans compromis quant à ses choix, ce qui donne lieu parfois à quelques ratages, mais qui n’empêche pas une fascination totale : il n’est à ma connaissance personne d’autre dans le paysage cinématographique français qui sache créer tout cela, ce grotesque, cette transposition d’un trouble psychique, et donc intérieur et invisible, à l’univers extérieur et visible, et cette inquiétude permanente, terrifiante.

J’attends le troisième avec une grande impatience.

Mon atout et mon handicap : avoir lu le livre, Revolutionary Road (traduction française : La fenêtre panoramique, déjà moins non-sensesque que cet horrible titre VF) de Richard Yates, roman poignant et déprimant à souhait.

Avoir lu un livre avant de voir son adaptation sur grand écran, c’est disposer d’informations que le spectateur vierge ne peut pas même soupçonner, c’est enrichir chaque plan et chaque personnage d’un arrière-plan qui vient le nourrir, le justifier, l’expliquer, le rendre tridimensionnel.

J’avais lu le livre en ayant déjà en tête les interprètes principaux, donc évidemment, je n’ai aucun mal à projeter Franck sur Leonardo et April sur Kate. Parce que pour moi ils sont des choix parfaits (surtout elle).

Du coup, je manque beaucoup de recul sur le film, probablement. Parce que, qui dit adaptation dit choix, et il y a des choses qui manquent, dans ce film. Un arrière-plan justement. Certaines scènes cruciales du passé, sans lesquelles les personnages doivent facilement passer pour des hystériques primaires… et binaires.

Ce qui manque surtout, c’est toute cette relation au langage, centrale dans le livre, le langage par lequel Frank séduit April, le langage par lequel ils s’éloignent, le langage par lequel il va réussir à la manipuler avec une virtuosité effarante… jusqu’à ce qu’elle s’en rende compte.

Autre point faible, la musique, faite de nappes entendues mille fois, plaquées sur une action ou sur un sentiment un peu au hasard.

Malgré tout cela, il reste un cœur, que je trouve vraiment de qualité. On commence par les acteurs, évidemment là – même si l’un comme l’autre, on les a vus encore meilleurs. Et puis le propos, qui reste très âpre, et qui, qu’on le veuille ou non, laisse un sale goût dans la bouche.
C’est que depuis ces années-là peu de choses ont changé – à part que la cigarette est désormais mal vue – : ce sont toujours les mêmes compromis(ssions) qui transforment de jeunes adultes libres en couple bourgeois, ce sont toujours les mêmes petits échecs qui conduisent à des vies étriquées et à des névroses à répétition, ce sont toujours les mêmes manques, les mêmes malentendus qui amènent à commettre des actes graves ou même irréparables.

Il y a forcément quelque chose de terrifiant à voir ce couple beau comme tout, à qui on a toujours été prêt à accorder l’éternité sans hésiter, tomber dans une telle déchéance, une telle médiocrité. Franchement, est-ce que ce n’est pas ce que l’on craint tous ? Le glissement est si facile…

Si c’est aussi joyeux que le livre (La fenêtre panoramique, Richard Yates), ça promet…
Mais en même temps, Kate Winslet et Leonardo Di Caprio, qui rêver de mieux pour interpréter Franck et April Wheeler ?

Et puis comment résister à ma chanson favorite de The Covers Record, Sea of Love, par Cat Power & Myra Lee…

Voilà, et on oublie le titre français surtout.
D’ailleurs je ne vous le dis pas.

J’ai eu le tort de voir ce film fatiguée. Je n’ai pas pu m’empêcher de dormir, ratant quelques scènes et quelques enjeux peut-être ?

Le fait est que mon admiration pour ce film est toute objective, mais en fait concrètement j’attendais à être davantage happée par les personnages et par la mise en scène. J’aime le tout début, son âpreté, j’aime la sauvagerie de Javier Bardem mais j’en attendais autre chose.
J’aime en revanche beaucoup la fin, et cette scène avec les deux enfants qui en une scène passeront de l’état d’innocence et de générosité à celui d’un monde corrompu par l’argent, avec son lot de conflits.

C’est un film très réussi mais je n’ai pas grand-chose à en dire.

Deux frères.

L’un a réussi, en se coupant de sa famille, à se créer une vie idéale dans le monde de la nuit, à la tête de sa propre boîte, avec pour compagnie la plus jolie femme.
L’autre a pris la relève de son père, il est flic comme lui.

Le film va raconter le passage du premier fils dans le monde 100% masculin de son père et de son frère, son engagement progressif et irrévocable, son sacrifice de tout ce qui le rattachait au monde féminin qui était le sien.

Un bon paquet de scènes inoubliables : une poursuite en voiture, une infiltration qui tourne mal, une poursuite à pied dans un champ en plein brouillard.