Un groupe de personnages tourmentés par des monstruosités plus ou moins intenses, des névroses plus ou moins profondes, des crimes plus ou moins graves, qu’ils tentent à tout prix de (se) pardonner. Trois sœurs, Joy, Trish et Helen, les relient.

J’avais donc rattrapé Happiness quelque temps avant de voir ce film, et bien m’en a pris, car – je l’ignorais totalement – Life During Wartime est une sorte de réécriture de Happiness, ou une sorte de suite, ou une variation… En tout cas un exercice de cet ordre.

Ce qui est évidemment très intéressant, c’est que l’action se déroule plus tard, que ce sont à la fois les mêmes personnages et à la fois pas du tout. Le casting est intégralement différent, mais les personnages sont bien là.
Le début du film est ainsi assez prenant, surtout quand on a vu par hasard Happiness juste avant et qu’on reconnaît le décor, les objets, les prénoms…

Il y a deux acteurs que j’affectionne particulièrement, dans ce film : Shirley Henderson (Harry Potter, Miss Pettigrew) et sa voix si particulière et si fascinante, qui récolte ici le rôle de Joy (tenu auparavant par Jane Adams). Joy devient alors cette petite personne fluette qui, parfois, a presque l’air d’être un peu plus épanouie, mais qui est en fait profondément brisée, même si une certaine assurance surnage encore, parfois. Autant j’avais beaucoup aimé Jane Adams, autant ici on est dans quelque chose de plus incarné, et d’assez bouleversant.
L’autre acteur, c’est Ciarán Hinds, vu lui aussi dans Miss Pettigrew, qui a, je trouve, une très belle présence. Ici, il reprend le rôle du père-psychanalyste pédophile, mais à sa sortie de prison. Le poids se lit sur son visage, il y a quelque chose de bestial et de très humain et d’atrocement lucide qui se dégage de son interprétation.

C’est en fait tous les personnages qui semblent plus incarnés, plus vivants, davantage faits de chair et de sang. Cela rend Life During Wartime moins froid que Happiness ; on sent que le regard du réalisateur se fait moins lointain, moins faussement désintéressé.

La scène entre le père et le fils aîné est terriblement étrange, lourde de détails (les bonbons, l’eau) mais incroyablement forte. J’aime à quel point l’ensemble du film est toujours ancré dans le réel, un réel toujours un peu moche, plein de défauts à l’arrière-plan (et quand il est clinquant et tape-à-l’œil, comme chez Helen, « celle qui a réussi », il n’en est pas moins moche).

Il est question d’oubli, de pardon, le fameux « forgive and forget ». Qui se décline, en fait, dans une série de sous-questions : vaut-il mieux oublier et pardonner, oublier sans pardonner, pardonner sans oublier ? Timmy, le petit garçon, hérite en effet de casseroles bien lourdes à porter, entre son père qu’il croit mort et dont il apprendra le crime, sa mère qui lui parle de sa vie sexuelle… Tous les personnages sont, à proprement parler ou non, hantés. Et cette impression est renforcée par les réminiscences du film de 1997 qui affleurent sans cesse.

Il y a toujours aussi, bien sûr, des petits moments amèrement drôles (par exemple, toujours dans la façon dont Joy est traitée par sa propre famille).
Amer, juste, avec toujours la tentation de la provocation, on sent quand même que Todd Solondz cherche un peu moins à choquer qu’avant. Il a raison, car au fond ce n’est pas forcément son point fort…

IMDB vient de publier la bande-annonce du film :
http://www.imdb.com/video/imdb/vi2739734297/

Un jeune garçon timide, qui peine à trouver sa place dans sa tribu de Vikings tous plus forts, audacieux et sans merci les uns que les autres, essaie de faire comme ses camarades et tente de tuer un dragon. Il arrive effectivement à en blesser un, de l’une des plus terrifiantes espèces, mais la féroce créature lui réserve bien des surprises, à lui et à son peuple…

Ce film d’animation Dreamworks est parmi ce que le studio a fait de mieux (ce qui n’est pas difficile quand on pense à Gang de requins ou même au triste Shrek 3).

Le scénario fonctionne vraiment bien, dans un univers amusant et assez inattendu (les Vikings, les dragons), qui donne à l’ensemble un ton finalement très sombre. C’est ça qui surprend le plus : que ce soit au niveau de l’image, très axée sur les bruns, les gris, les noirs, mais aussi sur le plan de l’intrigue (le héros est blessé !)
Tout repose sur le caractère du jeune garçon, qui est « différent » parce qu’il ne veut pas participer à la guerre et qu’il y est mauvais, et qui s’oppose à cause de cela à son père, grosse brute vaguement insensible. La scène où père et fils pourraient se « réconcilier » mais finalement n’y arrivent pas est d’ailleurs très réussie : ils n’arrivent pas à se parler.
L’identification marche donc facilement et peut toucher un large public.
La relation avec le dragon Toothless (littéralement, « sans dents », Crokmou en VF) est mignonne et touchante, la créature est bien faite, un peu inquiétante mais aussi craquante.

J’ai malheureusement quelques réserves sur ces deux personnages : le garçon m’ennuie assez vite, en fait, car il est à la fois timide et assez arrogant, en tout cas, j’ai un peu l’impression de voir tous les traits typiques de l’ado américain et bizarrement ça coince. Sensation renforcée par ses camarades, et en particulière la « copine qui a l’air d’une dure et qui en fait est super sensible ».
Quant au dragon, je le trouve un peu trop mignon, un peu trop félin, pas assez dangereux, pas assez terrifiant.
Je trouve que finalement le film manque de contrastes, de ruptures, voire de finesse.

Ça reste malgré tout une belle expérience ; en 3D certaines scènes sont vraiment virtuoses ; mais je suis désormais trop ralliée à la cause de Kung Fu Panda (voir mes avis ici et ici) pour ne pas préférer les aventures du Big Fat Panda, que je trouve plus touchantes et beaucoup plus drôles. Kung Fu Panda fourmillait de détails là où ici finalement, tout est assez classique.

(A propos, Gary Oldman, Michelle Yeoh, Jean-Claude Van Damme et Victor Garber – oui, Monsieur Bristow ! – viennent de rejoindre le casting vocal de Kung Fu Panda : the Kaboom of Doom !)

Alice a grandi. Le pays des merveilles existe bien pour elle, oui, mais elle est persuadée qu’il ne s’agit que de rêves récurrents et pénétrants qui la hantent. Mal à l’aise dans son rôle de jeune fille de bonne famille, elle est terrifiée lorsqu’il s’agit d’accepter la demande en mariage d’un jeune homme sans fantaisie. Heureusement, au moment où l’assistance attend sa réponse, elle aperçoit un lapin blanc…

Je me répète beaucoup, mais l’appréciation d’un film est si terriblement liée à l’attente que l’on en a, que parfois, il est troublant de se dire à quel point on l’aurait peut-être vu d’un tout autre œil sans avoir lu telle ou telle critique, ou sans avoir attendu des semaines après la sortie en salle, après avoir entendu les avis de tout le monde.

A vrai dire, cette Alice me faisait un peu peur. J’étais extrêmement impatiente de (re)voir ma nouvelle protégée Mia Wasikowska. Mais en tombant sur les premiers visuels (de Johnny Depp en Chapelier, de Helena Bonham Carter en Reine de cœur…), j’ai été assez effrayée. Puis la bande-annonce m’a fait craindre le pire : on allait avoir droit à un film-prétexte pour que Johnny Depp s’en donne à cœur joie et parte en roue libre – ce qu’est déjà, au fond, Charlie et la chocolaterie, que j’avais bien aimé à l’époque mais que je crains énormément de revoir.

A la sortie du film, j’ai donc laissé passer les jours et les semaines, de plus en plus mortifiée par les avis négatifs de personnes fiables autour de moi (et fans de Tim Burton, pas de ceux qui méprisent tout ce qu’il a fait depuis Ed Wood).
Et puis, le film s’affiche en dernière semaine, et on se dit que, quand même, allez. Pour Mia.

Du coup bien sûr je surnote peut-être un peu. Avec le temps (mais quelques semaines sont déjà passées) je réévaluerai peut-être le film à la baisse. Mais j’ai vraiment été agréablement surprise.
Déjà, ce postulat de partir d’une Alice presque adulte, qui me semblait être une fausse bonne idée, est exploitée d’une manière que je trouve intéressante. Pas de nostalgie de l’enfance à tout prix, non, loin de là. La question est de savoir ce qu’est devenue l’enfance, où est-elle cachée, à quoi sert-elle.
Je trouve Mia Wasikowska très bien, évidemment, à la fois très sûre d’elle et un peu perdue. J’aime beaucoup tout le début, contrairement à beaucoup de gens. J’aime que Tim Burton prenne son temps dans cette « réalité » où la jeune Alice peine à dire réellement ce qu’elle veut, à assumer ses refus.

Par la suite, c’est finalement loin du « Chapelier Show » que l’on pouvait craindre, car les autres personnages ont aussi bien leur place. Et surtout, le personnage est, je trouve, assez réussi. Une petite folie douce mêlée d’un vrai désespoir ; Johnny Depp s’amuse, en fait beaucoup, mais reste à la limite.

Pour le reste, on est malheureusement dans quelque chose d’assez illustratif, avec des scènes qui se succèdent, qui défilent mais manquent un peu de profondeur. Malgré tout, j’ai trouvé que ça se suivait bien… peut-être, encore une fois, parce que je m’attendais à un récit complètement boursouflé.

Le prix du jury est néanmoins dédié à la voix de Alan Rickman dans le rôle de la chenille… Délicieux, comme d’habitude.

Nick se lamente sur son sort : sa petite copine l’a quitté. Musicien dans un groupe, il lui prépare des compilations de ses morceaux préférés, qu’elle jette sans scrupules. Norah est parfois tombée sur ces CD et en admire leur inconnu créateur.
Tous deux fans du même groupe, qui donne justement un concert surprise ce soir-là à New York – dans un lieu secret – Nick et Norah vont se croiser.

C’est un film un peu mignon, avec un peu de musique sympa (et pourtant on pouvait en attendre plus, surtout en regard du titre original, Nick and Norah’s infinite playlist). Certes la musique joue un rôle, mais finalement guère plus que dans n’importe quelle comédie romantique moyenne.

Michael Cera, qu’on a surtout vu dans Arrested Development, Juno, Supergrave, L’an 1, joue ici comme d’habitude un jeune garçon maladroit, timide mais sensible. Il est toujours assez à l’aise dans ce rôle mais tourne un peu en rond, à force.
Kat Dennings, jolie jeune recrue, n’est pas mal non plus même si son personnage de jeune fille un peu solitaire et revêche se révèle un peu limité. Elle est malgré tout attachante dans ses contradictions, et elle est peut-être ce qu’il y a de mieux dans le film.

Bref, beaucoup de moments sympathiques, quelques seconds rôles amusants (la copine de Norah, les copains de Nick) mais j’avoue que je m’attendais à quelque chose d’un peu plus original, d’un peu plus frais.
Le titre français est particulièrement ridicule mais le fait est que… ça se passe à New York, et qu’une certaine ambiance nocturne est assez bien rendue.

Vous pouvez jeter une oreille à la fameuse BO ici (Amazon)…

Un groupe de personnages tourmentés par des monstruosités plus ou moins intenses, des névroses plus ou moins profondes, des crimes plus ou moins graves. Trois soeurs, Joy, Trish et Helen, les relient.

J’ai voulu voir ce film qui, aujourd’hui, a plus de dix ans, suite à la vision de la bande-annonce du dernier film de Todd Solondz, Life During Wartime (et que j’ai vu depuis, et dont j’espère vous livrer un petit avis avant 10 mois). J’avais enregistré Happiness il y a longtemps, à l’époque où les VHS étaient encore une merveille du quotidien (associées à un bon abonnement satellite).  Mais, connaissant vaguement le genre et l’ambiance du film, je n’avais jamais trouvé le courage de le regarder.

Certes, c’est sombre, c’est cynique, et c’est, parfois, volontairement et gratuitement provocateur. Les personnages sont tous plus misérables (et méprisables ?) les uns que les autres.
Le film a un peu vieilli, et ce qui pouvait paraître atrocement choquant en 1997 est désormais de l’ordre du commun (ce qui n’est pas forcément une bonne chose, cela dit). On n’est pas non plus dans du Larry Clark.
Mais, étrangement, ça ne m’a pas plus rebuté que ça.
En fait, les acteurs sont tous assez bons (on découvrait quasiment, à l’époque, Philip Seymour Hoffman, ici suintant et aussi pitoyable que possible, image qui allait lui coller longtemps à la peau). Je sors surtout du lot Jane Adams, qui incarne Joy, le (presque) personnage principal, qui est, je trouve, profondément tragique, mais qu’elle interprète avec une sorte de fraîcheur désespérée assez incroyable. Je crois qu’elle n’a pas fait grand-chose depuis.

Intéressant mais un peu trop distancié, le film se plaît en tout cas à regarder les humains dans leurs pires travers, leurs pires lâchetés. Certes, on a parfois l’impression d’être un chaton à qui on met le museau dans ses bêtises, mais il se dégage quand même pas mal d’idées bien vues.

A déconseiller aux âmes sensibles néanmoins.

C’est hier que s’est ouvert le festival de Cannes 2010.

Et comme je n’y suis pas, je vous renvoie sur le blog de la rédaction de mes amis de FilmDeCulte :

Because We Cannes Cannes Cannes

A consulter tous les jours et plus pour des nouvelles fraîches de la Croisette…

Et pour voir quelques jolies robes, quelques beaux minois, quelques lunettes de soleil (il faut bien faire comme s’il faisait beau), c’est là :

We Love Les Lapins

Rachel McAdams a connu une année très intense en 2005, enchaînant projet sur projet, et exposant sa vie professionnelle très active, ainsi que sa vie privée (avec son petit ami d’alors, rencontré sur le film The Notebook – N’oublie jamais, Ryan Gosling) à la une des magazines.

Et puis Rachel est devenue discrète, malgré un petit éclair de surexposition en 2008 lorsqu’elle renoue avec Ryan Gosling, pour quelques brèves semaines. Surtout, elle qui était promise à une ascension fulgurante, s’est mise à faire des choix parfois surprenants, comme The Lucky Ones (sorti directement en vidéo en France), Married Life ou State of Play. Elle y est toujours irréprochable, mais les films étaient de petite ampleur, tout comme ses rôles.
On croyait tenir la perle pour The Time Traveler’s Wife, mais le réalisateur Robert Schwentke n’a pas su vraiment tirer le meilleur du roman et en faire le mélodrame bouleversant que ça aurait pu être.

Les unes des magazines ont été de retour lorsque le Sherlock Holmes de Guy Ritchie a conquis les foules. Il faut dire qu’avec des partenaires masculins aussi populaires et photogéniques que Jude Law et Robert Downey Jr, Rachel a profité un peu du feu des projecteurs, et le succès du film l’a remise au devant de la scène.
Son projet suivant ne fait plaisir qu’à moi (et à quelques autres probablement), parce qu’il réunit deux de mes acteurs fétiches : Rachel McAdams, donc, et Harrison Ford. Le film s’appelle Morning Glory et se passe dans le milieu de la télévision. Il comptera aussi au générique Diane Keaton et Jeff Goldblum (sortie prévue en France le … 3 novembre 2010).

Mais ses derniers projets s’enchaînent.
Le premier en date, et probablement le plus gros, c’est le prochain film de Terrence Malick (après Tree of Life, le fameux film-qui-n’est-pas-à-Cannes). Terrence Malick, réalisateur prestigieux, dont la sensibilité et l’esthétisme ne sont plus à prouver, est le genre de personnes avec qui on pouvait rêver que Rachel travaille, et c’est donc prévu (avec aussi Christian Bale, Javier Bardem, Olga Kurylenko). Le film n’a pas de titre pour l’instant.

Ensuite, c’est un peu plus récent et ça me réjouit tout autant : Rachel fera partie du casting du prochain Woody Allen. Ce qui, déjà, en soi, est une excellente nouvelle, puisque j’adore la plus grande partie de sa filmographie. Mais ça l’est encore plus lorsque l’on sait que ce film sera tourné… à Paris cet été ! [Je suis déjà prête à soudoyer quiconque pourra me trouver des infos sur les lieux de tournage] Elle y jouera aux côtés de Owen Wilson, Marion Cotillard (la rumeur veut que Carla Bruni fasse partie de l’aventure, mais sur ce terrain, je n’oserais m’aventurer). Le film n’a pas non plus de titre pour l’instant, comme d’habitude chez l’ami Woody.
EDIT du 25/04/2010 : le film s’intitule désormais Midnight In Paris, et la ville y jouera un rôle primordial puisque l’un des personnages masculins se verra bouleversé dans ses idéaux au contact de la vie parisienne. S’ajoutent au casting Kathy Bates, Michael Sheen.

Enfin, aujourd’hui on apprend que Rachel s’est engagée sur deux projets de films d’épouvante : un remake du film espagnol terrifiant mais brillant, L’Orphelinat. L’utilité d’un remake de ce genre est toujours discutable ; le film serait réalisé par Mark Pellington (Arlington Road, La prophétie des ombres). Au-delà de ça, là où certains regrettent que Rachel retourne à des projets dits « de série B », je me réjouis plutôt de ce projet, car le rôle est intéressant, et même si j’ai dû fermer les yeux à certains moments de L’Orphelinat (car c’est le sujet qui me fait le plus peur au monde), je trouve que c’est un excellent film, riche et profond.
L’autre projet du jour, c’est We Have Always Lived In The Castle. Là, c’est au casting que se situe le grand intérêt, puisqu’on y retrouvera, en sœur de Rachel, Saoirse Ronan que j’aime beaucoup (Reviens-moi, The Lovely Bones), et, peut-être, Michael Douglas dans le rôle de leur oncle…

En tout cas, voilà qui change des longues périodes de disette où on n’entendait plus parler de la belle. Il faudra être patient, mais vivement !

Un professeur d’université se trouve confronté à une profonde solitude après avoir perdu l’amour de sa vie au cours d’un accident.

Forcément, vu que le réalisateur est un styliste, on entend et lit partout que le film est « très beau, mais c’est tout » ou « très esthétique, très esthétisant, mais un peu vide ».

Je trouve qu’il est bien plus que ça, et pas vide du tout. Déjà par son ambiance générale, aidée par les décors et la reconstitution d’un Los Angeles dans les années 60, avec ce que ça peut avoir de crépusculaire, à la fois plein d’espoir et déjà en pleine décrépitude.

Et puis le film, dans son déroulement, fait souvent penser à un (mauvais) rêve éveillé, mêlant moments de la réalité, souvenirs de l’homme aimé, et instants flashs surréalistes avec des proches ou des inconnus.

Colin Firth, dont je ne fais pas partie des (nombreux) détracteurs déjà d’habitude, est assez impressionnant dans ce rôle. Il a ce qu’il faut de flottant, de déstabilisé, tout en gardant une prestance d’apparat toute britannique, sous laquelle on sent malgré tout brûler le désir ou le désespoir. Tout est centré sur lui, et on sent un regard empathique (mais parfois amusé) sur ce beau personnage.

Julianne Moore est, je trouve, un peu moins crédible mais joliment utilisée, et son personnage est à la fois exaspérant et attachant. Le jeune Nicholas Hoult (dont je découvre à l’instant seulement qu’il interprétait le rôle du petit garçon dans Pour un garçon – About A Boy) est tout à fleur de peau, à la fois timide, fougueux et sensible. Jon Kortajarena et sa plastique impressionnante ont droit à une très belle scène sur un parking, peut-être l’un de mes moments préférés du film. Et enfin, Matthew Goude, dans le rôle de l’amour disparu, est bien meilleur qu’il ne l’était dans son terrible interprétation d’Ozymandias dans Watchmen. Il est même très très bon ici. La scène de leur rencontre est très réussie, à l’image de tous ces moments du film où les corps parlent plus fort que les personnages eux-mêmes.

Le film n’a jamais peur de partir dans des errances aux contours mal définis ; et ce flou, ce flottement, est probablement ce qui me plaît le plus.

Un politicien, Adam Lang, est en train de faire rédiger ses mémoires par un nègre (« Ghost »). Mais celui-ci décède dans des conditions mystérieuses. Il faut donc en trouver un autre, et vite ; heureusement, sa maison d’édition trouve quelqu’un qui fera l’affaire. Mais ce remplaçant va se montrer plus habile que son prédécesseur.

Je n’avais quasiment pas entendu parler du projet avant de voir la bande-annonce au cinéma. Et, autant je n’aime pas les bandes-annonces en général, autant celle-ci m’a vraiment donné envie de voir le film ; pourtant, elle n’a rien de spécial, simplement un parfum de facture classique et efficace, qui m’aurait presque rappelé le très bon Frantic.

Eh bien au final je ne suis pas déçue. Roman Polanski fait exactement ici un film « classique mais très efficace », avec une mise en scène relativement discrète mais assez étrangement puissante.

L’architecture de l’endroit où va travailler Ewan McGregor est très présente aussi, dans son design moderne, assez froid mais terriblement fascinant, avec ces grandes baies vitrées qui marquent une frontière nette mais transparente avec l’extérieur hostile. Le vent, la pluie, la brume, les éléments jouent aussi un très grand rôle et inscrivent le parcours du personnage dans une réalité tangible.

Pierce Brosnan est bon dans ce rôle d’homme politique un peu dépassé par les événements mais toujours offensif. Il a ce qu’il faut pour en faire un personnage fort, bien caractérisé, et pourtant assez trouble.

Et puis, grâce à Ewan McGregor, toujours excellent, il y a une petite pointe d’humour, de détachement, d’amusement, qui fait que tout ça ne se prend pas non plus trop au sérieux – ou du moins, tout juste ce qu’il faut. Je veux dire par là qu’on n’a pas un thriller impeccable et virtuose, à couper le souffle, non. C’est efficace, ça fonctionne bien, le rythme est bon, mais Polanski ne cherche jamais la virtuosité, et préfère nous surprendre grâce, en particulier, à ce personnage principal assez déroutant.

En effet, il est très étonnant, ce personnage, ses réactions sont souvent différentes de celles que l’on pourrait attendre : trop impliqué lorsque qu’on s’attendrait à ce qu’il se détache, trop détaché lorsqu’on s’attendrait à ce qu’il s’implique davantage. Sa relation avec Mrs Lang (Olivia Williams, assez terrible une fois de plus dans ce rôle de « femme forte mais délaissée » que je trouve, personnellement, glaçant de bout en bout) est tout à fait à cette image.
Il ne s’attache pas, mais cherche, enquête ; on ne sait pas pourquoi, ni ce qui le motive, on ne comprend pas bien ce qui le pousse à agir, parfois, mais on ne peut que le suivre, et être avec lui.
Cette dynamique est d’autant plus importante qu’elle trouve un écho dans la toute fin du film (dernier plan), et dans le fait que ce personnage ne porte pas de nom. Il ne cherche pas plus la vérité que la beauté des mots, il ne cherche pas à prouver son existence ou à la valoriser. Il prend ce qui vient, travaille avec, joue avec, cherche simplement à sauver sa peau et sa tranquillité.

Donc voilà, inutile de sur-vendre le film car ceux qui ne l’ont pas vus pourraient être déçus, mais enfin pour moi c’est là un film très maîtrisé, très carré, tout en s’autorisant, mine de rien, quelques libertés dans son histoire – je trouve – et qui garde en même temps un sens du détail, de la texture, ce qui lui donne de la vie.

Années 50. Sur l’île de Shutter Island, qui abrite un établissement psychiatrique, une patiente a mystérieusement disparu de sa cellule, pourtant encore fermée, et ne comportant aucune trace d’évasion. Comme elle est considérée comme dangereuse, on fait appel à deux membres des U.S. Marshals, afin de mener l’enquête. Mais l’un des deux, Daniels, a aussi un autre projet : se venger de celui qui a fait périr sa femme dans un incendie.

Les films de Scorsese déclenchent chez moi une attente assez variable, selon leur sujet, leur ampleur, leur casting. Et en fait, j’attendais assez peu Shutter Island, je n’ai pas lu le livre, et je ne sentais pas quelque chose d’aussi fort que pour Les Infiltrés.

Le résultat, c’est un film qu’on peut qualifier de mineur, mais en un peu moins fort que cet autre film mineur mais brillant qu’est, justement, Les Infiltrés.

Leonardo Di Caprio est plutôt bon, assez bien dirigé, mais pas assez néanmoins pour nous épargner ses éternels sourcils froncés auxquels il recourt toujours quand il ne sait plus quoi faire d’autre. Néanmoins, attention, c’est un acteur que j’aime beaucoup, et qui, à de nombreux moments, arrive à faire passer plusieurs émotions contradictoires en une seconde (à la fin, notamment).

Je suis plus emballée par Mark Ruffalo – que j’adore tout le temps, de toutes façons – et qui, dans ce rôle de second plan, est fascinant, parce que, Cliquez si vous ne craignez pas les spoilers

La petite Emily Mortimer (Match Point) est très bien, ainsi que Ben Kingsley, et aussi Patricia Clarkson qui s’amuse dans un rôle mono-scène. Michelle Williams est assez bonne aussi en suicidaire à moitié dans le déni.

Bien sûr, c’est bien filmé, bien cadré, bien monté ; mais en tout cas on pouvait s’attendre à quelque chose d’un peu plus puissant de la part de Scorsese (même si, là, je suis bien consciente de faire la difficile !)

A revoir peut-être, en se débarrassant des pensées parasites…